Entrevistamos a Concha Jerez

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Con ocasión de su reciente galardón como Premio Nacional de Artes Plásticas 2015, hemos concertado una entrevista con Concha Jerez, artista multidisciplinar y de amplia trayectoria, que ha participado en FASE en las ediciones de 2012 y 2014. Todo un privilegio contar con la contribución de esta creadora de excepción, así como de su compañero de andanzas, José Iges, con quien trabaja desde hace más de 25 años. Conocer a Concha es una suerte, y en esta conversación quisimos saber algo más de sus pasos como artista y de su concepción del arte.

1. Recibes el Premio Nacional de Artes Plásticas 2015 después de haber recibido recientemente la Medalla de Oro al Mérito a las Bellas Artes en 2011 y el Premio MAV 2012 por su trayectoria artística. ¿Te esperabas este galardón? ¿Te sientes más reconocida?

No me lo esperaba en absoluto. Ciertamente, sí sabía que había estado propuesta tanto en el Premio Nacional como en el Premio Velázquez. De hecho, en una ocasión me invitaron para ser miembro de un tribunal y finalmente tuve que renunciar porque me dijeron que yo era una de las candidatas.  ¿Por qué no me lo esperaba, a pesar de estos datos?, pues porque como en los últimos tiempos se han dado premios muy merecidos tanto a Esther Ferrer como a Isidoro Valcárcel Medina con trabajos individuales muy diferentes pero que siguen una línea de pensamiento que no se corresponde con las disciplinas tradicionales de pintura, escultura… pues precisamente por estas circunstancias pensé que ya no me tocaba; que me habían dado la Medalla al Mérito en las Bellas Artes y que ahí se iba a quedar todo. Entonces sí que fue una sorpresa, una sorpresa agradable porque, primero, los que están en el jurado son profesionales y segundo porque hay una dotación económica que, por ejemplo, en el caso de la Medalla no había y que a mí personalmente me viene muy bien.

Incluso para reinvertir en seguir adelante.
No sólo eso, sino en tapar necesidades del día a día. La vida del artista es complicada y hay muchas cosas que no están consideradas y funciones que se niegan a remunerar. Por ejemplo, cuando se hacen trabajos específicos se debe pagar honorarios a los artistas. En muchos casos se paga a todo el mundo menos a los artistas. En cosas hechas que pueden ir directamente al mercado es distinto, pero si tú haces un trabajo específico para un lugar particular se convierte en un trabajo que no puedes mover, por lo tanto, entiendo que debería haber una remuneración, mayor o menor, pero debe haberla, al igual que se paga a los comisarios, a los montadores y a todos los profesionales. Esta es una cuestión que se está dando desde hace tiempo y yo considero que debería cambiar.

La llegada de este premio, entonces, es un buen respaldo a tu trayectoria, que es extensa y muy sólida.
Por supuesto que sí. Eso no va a significar el cambiar un ápice el tipo de trabajo que hago; al contrario, reforzarlo.

2. Aunque eres una artista multidisciplinar y abordas distintas ramas artísticas, el sonido está siempre presente de un modo u otro, ¿cuándo viste entidad en el arte sonoro y te decidiste a trabajar en este terreno?

Como sabes yo vengo de una carrera de música, y por eso siempre he tenido una sensibilidad especial, primero para el mundo de la música. Lo que ocurre es que en un momento determinado, a partir de la primera instalación que hice en la Galería Propac de Madrid, en el año 76, pude conocer al Grupo ZAJ y también a Martín Chirino, que vino a aquella exposición con Juana Mordó. Él me introdujo en el círculo de los artistas canarios que había en Madrid.

Poco después, el grupo ZAJ presentó un proyecto en la Galería Juana Mordó entre los años 76 y 77  y precisamente con ocasión de la gran exposición de Martín Chirino – “Afrocan”-, en esa galería entré en contacto con el Grupo ZAJ en la presentación de su obra“Tamarán”.

Yo por aquel entonces había dejado la música un poco aparcada después de una beca de estudios que me habían dado para estudiar en EE.UU. en el año 58-59, y a mi regreso comencé a estudiar Ciencias Políticas. Me había apartado un poco de la música clásica, que fue lo que más había trabajado a un nivel muy profundo: Bach, Mozart, Schumann, Schubert… aunque a Bach lo tengo metido en mi estructura no sólo sonora sino también visual pues la sistemática de Bach para mí ha sido importantísima y sigue siéndolo. Pero resulta que tras conocer a Juan Hidalgo, a Esther Ferrer, a Marquetti…, de repente me enfrenté con otra posibilidad de acercarme a la música y a lo sonoro. Fue realmente en ese momento, año 76-77, cuando vi que se podía hacer música de otra forma.

3. ¿Qué te aporta el sonido que no te aportan otras disciplinas? O ¿cuál crees que es el valor comunicativo del sonido, muchas veces olvidado en un mundo regido por el poder de la imagen?

Esa otra posibilidad de trabajar con la música era como ir al origen más profundo de la música, el arte del tiempo, yendo a las estructuras básicas, no tanto a los sonidos concretos interpretados por instrumentistas sino ir a la raíz de lo que es la música.

A partir de ahí se crea otra cosa. También Juan Hidalgo me dio paso a conocer a John Cage, y eso es ya otra idea. Su obra “4’ 33’’ te mete directamente en el mundo de lo sonoro, en la apreciación de lo sonoro y lo que se puede, a partir de ahí, construir con el sonido.

Todo esto se reforzó en el año 83 con la presencia en Madrid de un artista fluxus, el músico Philip Corner, que era un maravilloso pedagogo y que fue quien me enseñó realmente lo que era la partitura abierta. A partir de ese momento empecé a hacer partituras abiertas que eran visuales pero que podían interpretarse como uno quisiera: con sonidos, con instrumentos, etc. Desde entonces fue un caminar en esta senda.

La entrada en el mundo del trabajo del sonido con grabación empezó a desarrollarse cuando conocí a José Iges. Los dos empezamos a trabajar lo sonoro de otra maneraa partir de la grabación sonora o como una forma de arte radiofónico…

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Actuación de Concha Jerez en “Carta a una amiga robada”, Girona, 2011 (vía: proyectoidis.org)

Mis performances iban en una línea paralela a las acciones ZAJ, aunque de otra forma, claro. Todo esto fue una posibilidad de reencuentro con la música, puesto que yo no quería ser ni intérprete clásica, ni quería trabajar con instrumentos musicales para la composición; sin embargo, sí me interesaba trabajar con el sonido que nos rodea, el que uno produce al caminar, o al manipular cualquier objeto, etc. Todos mis trabajos van en esta línea, mientras que los que desarrollamos José Iges y yo incorpora la idea de grabación, incluso añadiendo puntualmente instrumentos musicales por el valor que tiene el instrumento de ser vehículo sonoro.

4. Se te ha calificado como una artista feminista, ¿cuánto de verdad hay en esta afirmación?

Tengo trabajos que son producto de una reflexión feminista, pero yo no me considero globalmente una artista de obras feministas. Sí tengo una actitud feminista ante la vida, claramente, porque hay que tenerla. Mientras no se pague igual a las mujeres que a los hombres, mientras no haya las mismas facilidades para unos que para otros, y mientras en las pirámides directivas se reduzcan en cuanto a las mujeres… hay que ser feminista.

En cuanto al mundo del arte, para mí los museos son las “bibliotecas públicas del arte”, y en estas colecciones tenemos que estar igualmente representados las y los artistas.

Esto no quiere decir que tenga que haber el mismo número de obras de mujeres que de hombres artistas de una forma “economista”, pero sí que todas las mujeres que lo merezcan sestén representadas. Lo que no me parece normal es que en las Facultades de Bellas Artes haya hoy en día una mayoría de mujeres artistas, y que llegues a un Museo de Arte Contemporáneo y que en su colección haya sólo un 15% de obras de mujeres artistas. Esto da que pensar sobre la decisión de los comisarios y de los directores de museos al hacer la selección. Lo único que sí se mantiene es que hay muchas mujeres galeristas.

Claro que tengo obra de contenido feminista, porque mis obras surgen de una idea genuina que quiero desarrollar. Cuando veo que en los juguetes de las niñas se está haciendo una transmisión de valores pésima, con muñecas como las Barbys, esto me lleva a hacer alguna obra en que incluiya estas muñecas de una forma crítica, claro, aunque sólo sea para que la gente repare en que se está dando una imagen de mujer que tiene que casarse, que tiene que tener niños, que tiene que ser muy atractiva… en fin. Y esto motiva algunas obras que son muy feministas en ese sentido; pero globalmente no puede decirse que mi obra sea feminista. Mi feminismo es más una actitud vital. Y ahora que estoy en una posición en que puedo decir estas cosas, siento que tengo que decirlas.

5. Como artista con una amplia trayectoria has vivido diferentes etapas de tratamiento y consideración de la cultura tanto por los poderes públicos como por los espectadores, ¿cómo se advierte este cambio como creadora-artista?

Fíjate que cuando yo me fui a EE.UU. aún no había surgido Martin Luther King, y me llevé una impresión enorme cuando al llegar a Washington vi en un lugar: aseos para mujeres blancas y aseos para mujeres negras. Yo, que había había vivido en África hasta los 14 años y jamás había visto una cosa así. Con esto te digo que yo he vivido muchos cambios.

Los poderes públicos en España apoyan muy poco a los artistas. Es muy lamentable, pero yo creo que en la actualidad hay una gran equivocación en la política europea, y no sólo en la española. En España, que es donde vivo, me parece un error total que no se apoye la creación, en general. Si nosotros podemos ser una pequeña potencia en nuestro pequeño territorio en relación con el mundo, es precisamente por nuestra capacidad de creación artística, musical, científica, literaria… Tenemos muy buenos creadores. Lo importante es invertir en futuro. Lo que hoy se está creando es el patrimonio del futuro. De eso no hay conciencia en los poderes públicos. En Francia, por ejemplo, hicieron las cosas de otra manera. Antes de construir los edificios de los museos contemporáneos crearon los fondos FRAC (Fondos Regionales de Arte Contemporáneo). Esto supuso invertir un dinero en el arte que se estaba creando de artistas franceses y extranjeros que vivían en Francia con lo que se ampliaban las colecciones públicas. Los centros vinieron después.

Aquí se hizo al revés: primero se hicieron los centros, y cuando ya se había agotado todo en el ladrillo, se agotó el presupuesto para adquisiciones. La mayoría de los centros y museos no tienen ni un euro para comprar. Están hipotecados por sus propias hipotecas de los edificios. Tiene que cambiar el paradigma, Y tiene que cambiar también el paradigma de lo que los propios medios de comunicación plantean como ídolos sociales: los artistas, escritores, creadores son el último eslabón del engranaje. No pueden ser sólo ídolos los futbolistas, porque yo me pregunto ¿qué patrimonio están creando los futbolistas? Están actuando muy ingeniosamente en juegos de competición, pero el día que desaparezcan no dejan ningún patrimonio, simplemente entretenimiento. Mientras esto no cambie somos sufridores todos, porque los artistas seguimos haciendo nuestra obra; pero no contamos en los valores de la sociedad.

6. Aunque has tratado numerosas cuestiones en tus obras, la influencia de los medios de comunicación es uno de los ejes temáticos principales de tus creaciones. Imagino que en un mundo como el actual, estas inquietudes se habrán disparado, y la preocupación por el valor de la comunicación, se habrá reavivado, ¿cuál crees que es el reto principal que el mundo interconectado plantea al individuo?

Creo que se tiene que trabajar otro modelo de educación, para empezar. Todo viene de ahí. En la educación tiene que fomentarse la creatividad para que puedan salir individuos creativos. No quitar la filosofía, no quitar la literatura, no quitar las humanidades, y al mismo tiempo tienen que saber fomentar la creatividad artística y saber analizar las imágenes visuales. Hay que educar en los niños el espíritu crítico con respecto a las imágenes que nos están vendiendo todo el tiempo.

¿Tienes algún proyecto creativo en mente para abordar esta cuestión? ¿En qué estás trabajando ahora?

Yo siempre estoy trabajando en esta cuestión. Sigo muy interesada en analizar la prensa, tanto escrita como digital, y las imágenes televisivas. Y a partir de ahí surgen muchas de mis obras. Aunque tengo muchos frentes abiertos y voy desarrollando diferentes ideas, ahora estoy muy interesada en revisitar algunas obras que he hecho en el pasado y que veo que no han quedado suficientemente desarrolladas. Algunos proyectos que me han interesado mucho son Paisaje de Palabras y otras piezas en relación con el concepto de tiempo, un tema que siempre me ha interesado en su relación con el espacio. Y por supuesto el desarrollo de obras en lugares específicos.

Supongo que el recurrir y revisar esos trabajos previos no es sólo una cuestión de que sean temas muy recurrentes en tu obra o de que haya una necesidad vital de tratarlos, sino también una perspectiva analítica que se consigue con la madurez.

Sí. Ahora que tengo ya 74 años me interesa mucho ver mi obra desde dentro y desde fuera. Ver qué es lo esencial y qué es lo anecdótico. Esa dicotomía entre lo esencial y lo anecdótico es lo que siempre me ha llevado en todos mis trabajos a quitar cosas y ahondar en otras.

Yo he trabajado en muchos “espacios otros”, es decir, en unas ciertas heterotopías, como el espacio de la cárcel, el espacio de la poesía oral, leída por sus propios autores en Paisajes de palabras, esos espacios que al final se convierten, como decía Foucault, en heterotopías diferentes. Quizás es la línea en la que más estoy trabajando ahora mismo y en un futuro más próximo. Un trabajo de síntesis, porque siempre que he avanzado hacia delante me he movido por hilos conductores que venían de atrás. Por eso cuando a veces alguien me dice “¿y eso, cómo se te ha ocurrido?”, no sabría explicarlo porque todo es una cadena que viene de atrás. También sigo haciendo performances. Me gusta la performance, no para hacerla todos los días, pero digamos que lo presencial, dentro del arte, es algo que me interesa mucho. Ahí puedo desarrollar ese otro aspecto sonoro, porque la performance es también un arte del tiempo.

7. Para FASE siempre ha sido un honor contar con tu participación y con la de José Iges, compañero de creaciones desde hace 25 años, ¿cómo recuerdas tu paso por el Festival?

Recuerdo FASE como una experiencia muy buena, estupenda. Creo que FASE es un festival importante que además debe estar y se debe insistir en él. Yo tuve la oportunidad de jugar con esa dualidad, por una parte, en cuanto a mi trabajo individual en una performance, y por otra, con José Iges, presentando un concierto intermedia.

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Retrospectiva Jerez-Iges en Tabacalera, Madrid, 2015 (vía: Makma.net)

En la edición de 2012 pude intervenir en el Círculo de Bellas Artes, que para mí es como mi segunda casa, porque es el espacio donde he hecho más performances y trabajos in situ de mi vida. El trabajo con José Iges, después de 25 años, tiene la particularidad de ser una plataforma de creación conjunta que ha sido estupendo poder presentarlo en FASE como hicimos, en unos lugares enormemente dignos y además muy diferentes, porque los dos somos personas de hacer el trabajo in situ, nos instalamos en el lugar.

No siempre hay que crear festivales a gran escala; la escala humana está muy bien. Además, su doble faceta Madrid-Berlín ha posibilitado en parte esa salida al exterior del arte sonoro que se hace en España para darlo a conocer fuera. Esa es una virtud que tiene el festival. Yo espero que algún día los poderes públicos inviertan de verdad en apoyar estas iniciativas, porque siempre tenemos que ir como Quijotes los organizadores y los artistas para darnos a conocer fuera.

Al despedirnos Concha nos hace un último apunte.

Considero muy importante que haya buenos comunicadores en el sector del arte visual y sonoro que se está produciendo en la actualidad. Es la única forma de lograr que la creación existente llegue a los ciudadanos que tienen derecho a que se les informe sobre la creación actual.

Por otra parte, es muy lamentable que en los Conservatorios españoles se prepare a la estudiantes sólo para ser intérpretes de música clásica o compositores, y no se incluyan materias donde se trate el arte sonoro y la música electroacústica y donde existan materias en las que se den otras opciónes de practicar y dar a conocer formas diferentes de hacer música,

Hay que hacer cambios profundos al respecto.

Esta conversación con Concha ha sido un descubrimiento de su mundo personal y de su faceta creadora, en este punto de su trayectoria en que puede compartir abiertamente sus ideas y empaparse de la temática social para seguir alimentando sus ansias de trabajo. Muchas gracias por brindarnos esta oportunidad de acercarnos un poco más a tu forma de pensar, Concha.

¿Qué tiene el sonido que nos atrapa?

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Os hablamos esta semana de Atlas: un proyecto para la creación de un libro de viaje único, cargado de sonidos, que ha podido llevarse a cabo gracias a las aportaciones recibidas a través de una plataforma de crowfunding. Antonio Chávez, su autor, es un músico madrileño con discapacidad visual que encuentra en el sonido una plasticidad y una riqueza emocional que desprende a borbotones por la piel. Atlas es más que un proyecto creativo, es casi un proyecto vital en el que ha puesto todo de sí mismo para elaborar un viaje hacia lo insondable del ser humano, hacia todo aquello que no tiene nombre y que se guarece en lo más profundo del ser. Porque el sonido puede materializar esas sensaciones suspendidas en el aire y condensar un momento de la historia colectiva en un minúsculo archivo de audio.

El viaje en solitario de Antonio por Armenia, Georgia y Turquía es una respuesta a la pregunta ¿cómo es viajar sin ver? El sonido adquiere una potencialidad absoluta y un valor de comunicación total que refleja, al igual que las imágenes, la vida, las costumbres y la forma de ser de la gente de estos lugares. Pero al mismo tiempo Atlas es un ejemplo personal de superación, una muestra de voluntad y tesón para descubrir la capacidad humana y la posibilidad de estar por encima de las barreras preestablecidas.

Este viaje es un ejercicio de reflexión sobre el impacto sonoro de la vida cotidiana, sobre la presencia de esas rutinas con sonido propio que hacen que las cosas parezcan “auténticas”. Antonio interviene sus capturas de paisajes sonoros y grabaciones de campo con armonías, para imprimirle mayor dramatismo a las piezas, no en vano, está especializado en estudio armónico, estudió composición y tiene su propia escuela de música en Madrid.

Atlas es una de esas historias con final feliz. El proyecto logró completar la recaudación que se había propuesto para hacer de este sueño una realidad y hoy contamos con esta joya de la producción sonora a nuestra disposición. Es emocionante escuchar el relato de Antonio sobre este viaje experimental de descubrimiento personal y ajeno. Esperamos que os guste.

VISITAZIONI. Festival Internacional de Arte Sonoro de Roma

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El Festival Internacional de Arte Sonoro de Roma está celebrando este año su segunda edición (del 18 de septiembre al 5 de diciembre, 2015). La propuesta ha apostado por poner el arte sonoro al alcance de todo el mundo, de modo que ha completado una programación muy amplia y variada, protagonizada por instalaciones y eventos de acceso gratuito. Las actividades se desarrollan entre el Cortile del templo de Apolo y la Sala Santa Rita, dos ubicaciones en las que se reparten indistintamente instalaciones y conciertos. Lo fantástico de estos espacios es la riqueza arquitectónica que ofrecen, puesta al servicio de diferentes programaciones de arte. Es difícil imaginar una mezcla más ecléctica para presentar instalaciones sonoras, pero el entorno se vuelve ideal para generar un diálogo diacrónico entre el clasicismo de las salas y la contemporaneidad de las obras.
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Nueve artistas en total participan en esta edición, cada uno con una instalación sonora que permanecerá accesible durante dos semanas:
  • Elio Martusciello (Italia): “To extend the visibility”
  • Albert Mayr (Italia): “Estensioni”
  • Petri Kuljuntausta (Finlandia): “Red lines”
  • Luca Miti (Italia): “Forse stanotte (operetta inutile)”
  • Xabier Erkizia (País Vasco, España): “Non dire (niente)”
  • Alvin Curran (EE.UU./Italia): “Mev’s glass piano”
  • Alex Mendizábal (País Vasco, España): “Orecchie vecchie cave incavate di sentito”
  • Gianfranco Pernaiachi (Italia): “Terre rare”
  • Marcello Liberato (Italia): “Mobile”
Destaca la presencia de los españoles Xabier Erkizia y Álex Mendizábal, ambos del País Vasco. La finalidad de esta edición del festival era reunir un conjunto de piezas acústicas que reflexionasen sobre el valor del propio sonido, para, después, buscar sus conexiones con el espacio físico, la imagen, la arquitectura o el vídeo. Las propuestas “Non dire (niente)” de Xabier y “Orecchie vecchie cave incavate di sentito” de Álex abordan el acto de escucha y la aproximación al sonido de un modo diferente. Xabier ofrece una pieza inspirada en la experiencia personal de Armand Robin, poeta y traductor que durante la II Guerra Mundial se dedicó a escuchar la radio internacional, llevado por un sentimiento de comunión e identidad con la humanidad global. Alex ofrece una instalación de nueve piezas presentadas a través de filtros sonoros regulados a distintas resonancias que ofrecen una suerte de paisaje sonoro del Templo de Apolo.

IX Festival Internacional de Arte Sonoro “Tsonami”

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El IX Festival Internacional de Arte Sonoro Tsonami arranca motores este lunes 30 de noviembre.

La región chilena de Valparaíso se llenará de sonido y experimentación en esta nueva edición, que ofrece un amplio programa cargado de actividades repartidas por distintos puntos de la zona. Cada día un concierto y una performance, además de numerosas instalaciones sonoras permanentes y de espacios destinados a la reflexión y al coloquio. La representación internacional es amplísima, contando con un total de 38 artistas participantes, entre los que se encuentran las españolas María Andueza, Laura Llaneli y el colectivo Cuidadoras de sonidos.

El festival Tsonami lleva desde 2007 ofreciendo una plataforma de verdadera creación sonora contemporánea que cada año cuenta con un mayor número de participantes procedentes de distintos rincones del planeta. Además, se han programado 5 talleres simultáneos al desarrollo del festival, para los que todavía hay plazas (puedes apuntarte aquí):

  • Taller Dog on Wheels, impartido por Jerome Fino (Francia)
  • Taller Paisajes de cinta, con Marta Zapparoli (Italia) & Julie Rousse (Francia)
  • Taller Radio Aporee, de Udo Noll (Alemania)
  • Ruido para Niños, taller de electrónica sonora a cargo de Marco Valdivia (Perú)
  • Inserciones sonoras en circuitos metropolitanos, por María Andueza (España)

11En esta edición de 2015, el festival cuenta además con 4 proyectos de artistas en residencia, previamente seleccionados a través de la convocatoria Audioficción: Imaginación sónica y especulación urbana. Uno de los colectivos seleccionados ha sido el de las españolas Cuidadoras de sonidos cuya principal finalidad es escuchar, mapear y ficcionar de manera colectiva y en red, la ciudad que suena, con la finalidad actuar en el espacio sonoro y transformarlo, en un acto de reflexión y crítica sobre la ciudad existente y la que podría existir. Este proyecto encaja con la línea temática propuesta para estas residencias, que estudio las perspectivas audibles en el espacio urbano y su evolución y cambio dentro de los procesos de mutación y crecimiento de las ciudades.

Estad atentos a la programación porque no tiene desperdicio.

Más información en: http://www.tsonami.cl/programa/

¿Qué tienen en común filosofía, arquitectura y arte sonoro?

'Transient Senses' (2015), de Álex Arteaga. / Foto de Thomas Vihelm, tomada de Babelia

¿A dónde puede llevarnos el análisis del sonido? ¿Dónde están los límites de la filosofía, que siempre hemos concebido de un modo tradicional? ¿Qué fines persigue una reflexión sobre la estética? ¿Qué tienen en común filosofía, arquitectura y arte sonoro? Éstas y otras cuestiones son las que se esconden tras el trabajo de Alex Arteaga, quien no puede evitar ver en los espacios lugares de creación de sonido donde la estética cobra una vital importancia.

La necesidad de indagar sobre los cauces por los que actualmente discurre la consideración de la estética y actualizarlos (reinventarlos, redefinirlos, innovarlos), así como poner los saberes de diferentes disciplinas al servicio de la creación de conocimiento es un firme propósito en el que el arte sonoro, como rama trasversal que encierra la potencialidad de tocar distintas manifestaciones y áreas, juega un papel muchas veces desconocido. Más allá de la música experimental o la composición electroacústica, a la que muchas veces queda reducida su versatilidad, el sonido tiene extraña virtud de ocupar un espacio intangible, un volumen cuya capacidad, distribución, forma o composición repercute directamente en su cualidad y calidad. La toma en consideración del sonido casi como una cuarta dimensión permite replantearse los cánones de la belleza, ahora transformada en una realidad inmaterial apreciable sólo al oído. Superando la estética clásica, tridimensional, tangible y visible, el sonido envuelve el conjunto con un broche final de armonía, que debe entrar de lleno en el plano de los factores a tener en cuenta para construir una verdadera estética contemporánea.

El arte sonoro está de moda

Después del verano y tras arrancar la temporada artística, este septiembre y octubre nos dan muestras de la buena salud del arte sonoro. Además de nuevas iniciativas, vienen con fuerza muestras y concursos que cada año van sumando más velas a la tarta de cumpleaños, consolidando los esfuerzos por dar visibilidad a esta disciplina.
Compartimos con vosotros una breve agenda de eventos que seguro que os interesa:

3ª edición de Recorreguts Sonors en el Convent de Sant Agustí

630x315Tras el cierre reciente de la convocatoria de proyectos, el Convent de Sant Agustí organiza la 3ª edición de Recorreguts Sonors: Accions i Mutacions Sonores del 17 al 21 de noviembre de 2015. Se han seleccionado un total de 6 proyectos para su desarrollo en el espacio del Convent. Se pedía a los artistas, a quienes se ofrecía apoyo tanto en formación como en la presentación de sus iniciativas, que centrasen sus proyectos en los dispositivos sonoros, valorándose especialmente las propuestas que integraban contenidos relativos al patrimonio histórico o etnográfico. El 17 de noviembre podremos disfrutar de la puesta en escena de los proyectos ganadores, que incluyen instalaciones sonoras, actuaciones en directo, itinerarios interactivos de sonido y hasta un taller infantil de creación sonora.

Taller “Mapas sonoros”

  mapas El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga organiza el taller práctico “Mapas Sonoros” a cargo de la artista Gema Herrero. El propósito es trabajar en equipo sobre la construcción de una idea, que llegue a materializarse en una obra final. El paso del proyecto al prototipo se realiza generando sinergias en el grupo con actividades participativas a lo largo del taller. Gema Herrero es una artista que fusiona la imagen y el sonido a través de múltiples técnicas que le permitan ahondar en una de las líneas principales de su trabajo: los procesos de cambio y transformación, la itinerancia y la temporalidad en la trayectoria vital.
Este taller, previsto para el 20 de octubre, ha quedado pospuesto, así que seguiremos atentos a la agenda del CAC de Málaga para poder participar.

Simposio “Women in sound. Women on sound”

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El 13 de noviembre tendrá lugar en el Instituto de Arte Contemporáneo de la Universidad de Lancaster el Simposio “Women in sound. Women on sound”, dedicado al papel de la mujer (práctica, influencia, proyección) en su contribución al campo de los estudios sonoros. La asistencia al simposio es libre, y todas las presentaciones de proyectos serán documentadas y registradas para publicarlas posteriormente en “Interference journal”, medio especializado en la cultura sonora.

Nuevo portal de proyectos Escuta.org

escutaNace “Escuta.org”, página web especializada en proyectos de instalación de arte sonoro, composición electroacústica y performances. La página se centra en el trabajo de Simone Reis e Iain Mott, pero incorpora también a otros artistas y técnicos colaboradores, entre los que están Marc Raszewski, Jim Sosnin, Nelson Maravalhas, estudiantes del Departamento de Artes Escénicas de la Universidad de Brasilia, entre otros. Desde el menú se puede acceder a todos los proyectos compartidos, escucharlos y dejar tus comentarios.

Sonidos otoñales: Interval. Accions sonores

Interval- Accions sonores

 

Noviembre es un mes plenamente otoñal, una época del año que invita al recogimiento y la reflexión. La melancolía se apodera de los poemas, los paseos entre hojas caídas, los paraguas que nos exigen salidas, y la luz amortiguada de puestas de sol vespertinas a veces más tempranas de lo deseable.

Con noviembre retomamos nuestras comunicaciones sonoras. El equipo de FASE quiere aprovechar este momento, entre colores amarillos y tostados, para adentrarse de lleno, otra vez, en el arte sonoro.

Os traemos para este reencuentro una estupenda noticia de arte sonoro en estado puro. El proyecto Interval. Accions sonores se inaugura este viernes, 7 de noviembre, en la Fundació Antoni Tàpies (Barcelona), y permanecerá abierto hasta el 15 de febrero de 2015. Esta propuesta pretende cuestionar los tradicionales contextos de escucha estipulados por la norma ortodoxa de la llamada “música culta”, en los que se promulga la concentración y el silencio como forma adecuada de aproximarse al sonido. No obstante, este ambiente cuasi-ficticio y ortopédico se aleja considerablemente de la realidad en que las personas escuchan música, pues ese contexto ideal, de laboratorio, pocas veces existe. Y yendo un paso más allá en esta senda de reflexión, la iniciativa llega a cuestionarse también el propio contexto que se crea de forma artificiosa (cargado de un valor adicional no siempre inherente a la obra misma) cuando el sonido se adentra en las salas de exposición y se convierte en el denominado “arte sonoro”.

El proyecto, comisariado por Lluís Nacenta y Laurence Rassel, cuenta con la participación de destacados artistas del sector: Theo Burt, Hanne Darboven, Ainara Elgoibar, Brian Eno, Lluïsa Espigolé, Laia Estruch, EVOL, Jaume Ferrete, Raquel Friera, Nicoline van Harskamp, Tom Johnson, Susan Philipsz, Quim Pujol, Octavi Rumbau, Terre Thaemlitz y Erica Wise.

La inauguración de Interval. Accions sonores tendrá lugar el jueves 6, a las 19:30.

Más información:

Fundació Antoni Tàpies

Agenda sonora VERANO 2014

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Se aproximan las vacaciones y desde FASE nos tomaremos también unos días de descanso. Es una ocasión excelente para recuperar fuerzas, resonorizarnos y preparar nuestras mentes para la entrada de curso.

No queremos despedirnos sin hacer un repaso de las citas ineludibles con el arte sonoro que tendrán lugar este verano. Hemos hecho una selección de las más importantes.

¡Volveremos en septiembre con las pilas cargadas!

      • Convocatoria para participar en el X Festival Internacional de Música y Nuevas Tecnologías Visiones Sonoras 2014 que organiza el Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS) con el apoyo de la Secretaría de Cultura de Michoacán, el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes y Fundación Telefónica. El encuentro tendrá lugar del 22 al 25 de octubre.
        - Plazo para presentar propuestas: Hasta el 22 de agosto de 2014.
        - Más información: CMMAS

      • Proyecto: ¿y tú que escuchas?, los sonidos de mi entorno
        El CMMAS en colaboración con MESE Vasco de Quiroga I.A.P realizan este proyecto que busca acercar a niños y adolescentes en situación extraordinaria a la música electroacústica, sus procesos y resultados
        - Las siguientes citas son: el 22 de agosto y el 26 de septiembre (Michoacán, México)
        - Más información aquí

      • Resonancia, Ciclo de arte sonoro
        El Espacio de Experimentación Sonora (EES) del Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC) de la UNAM, en colaboración con el Laboratorio Sensorial con sede en Guadalajara, llevarán a cabo Resonancia, ciclo de arte sonoro de julio a diciembre, 2014. Con la participación de Antonio Russek, Concha Jerez y José Iges, Antonio Fernández Ros, Manuel Rocha Iturbide y Juan Sebastián Lach.
        - Consulta la programación: Resonancia

      • Caminata Sonora ‘Los ecos de la literatura’ en México, Distrito federal, organizada por la fonoteca nacional.  El 26 de julio de 2014.
        Más información: Fonoteca Nacional
      • Convocatoria para presentar propuestas al Festival de Arte Sonoro Tsonami, en Valparaíso, cuyo estreno se producirá en diciembre de 2014. Conoce el festival aquí.
        Plazo de presentación de solicitudes: hasta el 7 de septiembre
        Más información: oportunidadeuropa.

      • Estaremos pendientes del Festival de Arte Sonoro SONOM, que este año se celebrará en Campeche. Fechas aún por confirmar. Visita su web.
      • Laboratorio: Condensación – Talleres interdisciplinarios con artistas de Austria, México, Brasil, Uruguay, Argentina, E.U.A. y Francia en arquitectura, cine, danza, artes plásticas y sonido. Más información aquí.
      • Experiencias sonoras en el Espacio Público, en Santiago de Chile, a principios de agosto. Sólo se necesitan una par de oídos y ganas de escucha. Apúntate aquí.

 

The World Listening Day

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El 18 de julio se celebra el World Listening Day, cita internacional que nace como invitación a la reflexión sobre la escucha de nuestro entorno y la importancia de la ecología acústica. El paisaje sonoro es mucho más que un pretexto para iniciar una labor introspectiva en que cada uno de nosotros podemos contribuir a enriquecer el abanico de sonidos al tiempo que respetamos la pureza ecológica del entorno sonoro. Estos son los postulados de esta propuesta, que nos brinda la oportunidad abierta de hacer cuantas aportaciones queramos para celebrar este día. Este proyecto colaborativo trata de dar a conocer nuevos conceptos que se han ido desarrollando en esta materia, como el de ecología acústica, sobre todo a través del trabajo de multitud de grupos y colectivos dedicados a la materia, dándoles visibilidad e implementando iniciativas educativas que exploren estos conceptos y prácticas.

La fecha elegida para esta celebración internacional coincide con el aniversario de R. Murray Schafer, un artista, escritor, compositor, educador y filósofo considerado el padre del paisaje sonoro a quien ya hemos dedicado un interesante post en nuestro blog. La transcendencia que tiene esta figura en el ámbito internacional es mundialmente conocida, pues sus propuestas han abierto una senda de investigación artístico-filosófica en el campo del sonido que motivó a muchos creadores a ahondar en la materia y a enriquecer el entonces tímido concepto de paisaje sonoro con nuevas ideas, como la ecología acústica, que hoy subyace como leit motiv en el proyecto World Listening Day.

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Esta propuesta ha sido coorganizada por el colectivo World Listening Project (WLP) Midwest Society for Acoustic Ecology  (MSAE ). El proyecto es una invitación a bierta para que durante la semana del 14 al 20 de julio todo el que quiera pueda contribuir con:

  • Archivos sonoros o actividades de escucha programadas en grupo o individualmente
  • Experiencias performativas que exploren el paisaje sonoro del entorno de cada participante
  • Actos en un entorno educativo que reflexionen sobre este tema
  • Y a generar redes de contacto para enriquecer las aportaciones en la celebración de esta cita internacional.

Os traemos algunos ejemplos de colectivos que se han comprometido a aportar su granito de arena al proyecto:

¡ESTÁIS TODOS INVITADOS A PARTICIPAR!

Más información: World Listening Day

Sumérgete en Metabody

Metabody

El próximo lunes 7 de julio tendrá lugar en La Casa Encendida una extraordinaria sesión de trabajo del proyecto Metabody, llevada a cabo por José Luis Carles y Cristina Palmese. Metabody es un proyecto de 5 años de duración iniciado en julio de 2013 que pretende estudiar los procesos de homogeneización cultural que la sociedad de la información impone, por lo que se cuestionan los mecanismos de comunicación preexistentes. El proyecto propondrá nuevos paradigmas tecnológicos que traten de profundizar en la comunicación no verbal.

Una de sus primeras manifestaciones es una instalación multisensorial itinerante que pasará por 9 ciudades europeas. Después de estar en Genoa (marzo) y Dresden (noviembre de 2013), hace escala en Madrid en esta jornada que invita a hacer una análisis sobre la sensibilidad transcendente, la que va más allá de nuestros sentidos inmediatos, la que nos puede convertir en ‘metacuerpos’.

Se trata de una actividad abierta a todos los públicos, pero especialmente pensada para quienes están interesados en el mundo de la percepción sensorial, arquitectos, coreógrafos, músicos, etc. Además, a través de la colaboración con la V Bienal de Arte Contemporáneo de la Fundación ONCE, la participación es gratuita para las personas con dicapacidad y también para los parados.

Más información:
Lunes, 7 de julio de 2014
De 10 a 14 h. y de 16 a 20 h.
La Casa Encendida
Proyecto Metabody